Reseña: 'Days of Wine and Roses' es un musical malhumorado conservado en alcoholismo

En "Days of Wine and Roses", Kelli O'Hara y Brian d'Arcy James juegan contra su encanto como una pareja adicta al alcohol, sus vidas en caída libre tóxica. Además, "El merecido".

Editor y escritor sénior

El anuncio actual más eficaz contra la bebida (de hecho, una historia cruda y brutalmente aleccionadora sobre el alcoholismo) es un musical de 95 minutos. Days of Wine and Roses (Atlantic Theatre, hasta el 16 de julio), dirigida por Michael Greif y basada en la obra de JP Miller y película de 1962 protagonizada por Jack Lemmon y Lee Remick, es inusual por muchas razones, entre ellas por ser esa criatura rara , un musical para sentirse mal (en realidad, que sea un musical para sentirse muy mal).

Lo que también lo distingue son sus estrellas galardonadas con guirnaldas de la realeza de Broadway, Kelli O'Hara y Brian D'Arcy James (nominado a Tony este año por Into the Woods), que son más familiares para el público por interpretar bien o cautivar a los protagonistas. caracteres. En cambio, aquí interpretan a una pareja en una espiral descendente degradante, deprimente e implacable. Como Kirsten Arnesen y Joe Clay, al menos durante los primeros 10 minutos, representan el tipo de pareja sexy que normalmente efervecería y brillaría (ambos son artistas atractivos y encantadores), pero en Days of Wine and Roses se desmoronan frente a nosotros, la más tóxica de las asociaciones en caída libre.

El libro de Craig Lucas, y la música y la letra de Adam Guettel, no intentan aportar ningún tipo de ligereza de teatro musical a la pieza; Days of Wine and Roses es una carrera de esquí precipitada de adicción y miseria, y su exhibición cruda de ambos resonó entre la audiencia entre la que se sentó este crítico.

Un aplauso educado y silencioso recibió las canciones irregulares y desconcertantes (una más entusiasta recibió a d'Arcy James mientras Joe cantaba su promesa de dejar finalmente la bebida diabólica). Él y O'Hara cantan maravillosamente, pero es difícil aplaudir cualquiera de sus canciones y arias angustiadas mientras registran la destrucción de esta pareja. Hay brotes de coreografías alegres (de Sergio Trujillo y Karla Puno García) que se sienten como globos alegres en un funeral sombrío. A mi alrededor, la gente suspiraba, mientras Joe y la aún más autodestructiva Kirsten se hundían más y más, tomando una terrible decisión tras otra.

Nos encontramos con ellos por primera vez en 1950 en Nueva York, Joe regresó de servir en Corea y ahora es un hombre de relaciones públicas muy amable. Un vaso lleno siempre está en su mano. Kirsten, una secretaria ejecutiva fríamente glamorosa, dice que no bebe: "No veo el punto".

"Te hace sentir bien", dice Joe. "Ya me siento bien", responde ella. Luego pide un Brandy Alexander para ella, y eso es todo: el veneno ha sido inyectado. Pronto, ella está sintiendo sus efectos. "No tenía idea de qué estaba hablando la gente, este [sentimiento... ¡UH!]... Solo quiero... quiero correr, quiero... romper el límite de velocidad..."

(LR) Caleb Eberhardt, Bob de Moreno, Shannon Tyo, Susannah Flood, Brittany Bradford (Monique Carboni).

En esa primera noche, el alcohol hace que todo brille, especialmente porque su romance es fresco, pero luego el musical nos lleva a través de diferentes cuadros de los años de su matrimonio implosivo. Joe, borracho y estresado por el trabajo, grita que no quiere acostarse con un bebé inquieto, quiere acostarse con su esposa. Vemos a Kirsten cantando una cancioncilla descabellada como un ama de casa destrozada durante el día cuyo descuido con un fósforo casi la mata a ella y a su hija Lila (Ella Dane Morgan).

Una falla en el programa es ver claramente las raíces de la adicción de Joe: trastorno de estrés postraumático de Corea, presiones laborales, esforzarse tanto en la vida, pero menos con Kirsten. ¿Su descenso es solo por la droga de entrada de ese Brandy Alexander? ¿Es el comportamiento de Joe en su matrimonio, o las demandas de la maternidad, o el dolor por su madre muerta, o una mezcla de lo anterior? ¿Es una adicción física cada vez más fuera de control? Los fundamentos del alcoholismo de ella y de la infelicidad que la impulsan están menos esbozados que los de él.

Joe y Kirsten intentan recuperar la sobriedad, pero luego resbalan, y Joe destroza el invernadero de su suegro en busca de alcohol escondido. Joe mejora, Kirsten empeora (un saludo especial al diseño de cabello de David Brian Brown que traza estos cambios con apariencia pulida y descuidada). Joe recupera la sobriedad con la ayuda del paciente y sabio alcohólico Jim (David Jennings), luego Kirsten tienta a Joe de regreso al lado oscuro. Ella trata de mejorar, y luego no puede: "El mundo me parece tan sucio cuando no estoy bebiendo. Lo siento. ¡No me olvides!" dice, como su línea de salida.

O'Hara y D'Arcy James están absolutamente comprometidos a jugar al infierno de ser Kirsten y Joe, y no centellear, no hacerlos apetecibles o agradables cuando la bebida los tiene en sus garras, aunque este es un musical difícil no solo de ver, sino sino también para gelificar. La pareja es terrible el uno para el otro. No queremos que estén juntos; sentimos, como el padre de Kirsten (un estruendoso Byron Jennings), que deberían estar muy lejos el uno del otro, incluso teniendo en cuenta el amor que comparten, debajo de todas las botellas vacías, por Lila.

Sus canciones son como fragmentos de vidrio, destellos de memoria y dolor, y gritos decididos de desafío. Es un rompecabezas tosco de elementos, quizás necesariamente así dado el tema. Al igual que A Little Life, hay una lascivia pornográfica en ver cómo las cosas se ponen terribles y luego aún más terribles, pero, como en el último programa, esto se vuelve más una propuesta insoportable que compulsiva a medida que las cosas van de mal en peor a doce alarmas sombrías.

La producción teatral termina, de manera significativamente diferente, a la película, con un indicio de un futuro más o menos positivo, o al menos una declaración de intenciones para mejorarlo. Es una migaja escasa y absolutamente en línea con el espíritu intransigente del espectáculo. Puede salir del cine con ganas de un trago fuerte y luego terminar pidiendo un té de manzanilla.

el merecido

Hay elementos de The Big Chill sobre la obra de Branden Jacobs-Jenkins, The Comeuppance, dirigida por Eric Ting (Signature Theatre, hasta el 25 de junio). Un grupo de amigos de la escuela secundaria se reúne veinte años después de graduarse en un suburbio de Maryland, y algunos años desde la última vez que se vieron.

Esta noche es su vigésima reunión de la escuela secundaria, y los miembros del autodefinido "Grupo de rechazo multiétnico" se reúnen en el porche de Ursula (Brittany Bradford) antes de dirigirse al evento principal. Se consumen bebidas alcohólicas y porros, se ríen, brotan tonterías, brotan coqueteos, resurgen los celos, el dolor, la ira y los recuerdos oscuros, se cuentan las verdades. Ursula ha preparado poderosas jarras de alcohol, que alimentarán el encendido emocional de la velada mientras el grupo interroga quiénes eran y quiénes son ahora, con retorcidas letanías de matrimonios, relaciones, hijos, trabajos, ambiciones, secretos y mentiras.

Jacobs-Jenkins tiene intenciones más grandiosas que simplemente reunir a este grupo de amigos, interpretado con un naturalismo seductor por Bradford, Caleb Eberhardt (Emilio), Susannah Flood (Caitlin), Bobby Moreno (Francisco) y Shannon Tyo (Kristina). Por un lado, además de luchar con demonios personales, referencias al 11 de septiembre, la pandemia de COVID, las guerras y los puntos críticos políticos y culturales de los últimos 20 años, Jacobs-Jenkins deja en claro que esta es una obra sobre una generación que se siente a la deriva. y nocivamente aturdidos por el mundo en el que han crecido.

Más cerca de casa, Emilio está furioso al ver que Francisco y Caitlin se reencuentran románticamente después de lo que él siente al ayudar a Caitlin a reparar el daño causado en la escuela secundaria cuando estaban en una relación. La furia de Emilio es el polvorín de la obra, especialmente cuando se enfrenta al ex soldado Francisco, incluso cuando este último yace boca abajo después de tener un ataque.

Luego está la Muerte.

La muerte es un personaje de la serie cuya voz distorsionada escuchamos primero y último a través de Emilio, pero que también habla a través de los otros personajes. La muerte está ahí para recordarnos que el destino y el tiempo finalmente harán por todos nosotros. En un gran discurso, la Muerte nos dice que durante el COVID se dio cuenta de que los humanos no solo se habían vuelto más conscientes que nunca de su presencia cercana, sino que esa presencia había hecho que las personas en general fueran más amables durante un tiempo. ¿Qué les pasó a todos desde ese tiempo de ablandamiento?, nos pregunta Death con ironía, mientras dirige su atención a un personaje en particular en el escenario mientras se apagan las luces.

Suavemente apasionante y variadamente reflexiva, The Comeuppance es la historia de una generación que trata de dejar atrás a sus demonios y, mientras pierde la carrera en incrementos con un cronómetro haciendo clic sin remordimientos, sigue corriendo la carrera con tanta intención, ironía y ayuda de sustancia. bravuconería como puede reunir.

Editor y escritor sénior

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